Оперное творчество. Творчество В

КРАТКОЕ СОДЕРЖАНИЕ ТВОРЧЕСТВА

Вольфганг Амадей Моцарт (Wolfgang Amadeus Mozart)
(1756–1791)

Австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижёр, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца - Л. Моцарта. Первые сочинения появились в 1761. С 6-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии, академии в Болонье. В 1769–81 (с перерывами) состоял на придворной службе у архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781 переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля», «Свадьба Фигаро»; выступал в концертах («академиях»). В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу «Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3 наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. В 1789 и 1790 выступал с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»; работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.

Моцарт наряду с Й. Гайдном и Л. Бетховеном является представителем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной организации. В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного преобразования реальности. Одновременно в нём нашли развитие качества новых для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамическом равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта - человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера. Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных музыкальных образов в процессе их взаимодействия.

В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской школы, а также старшие современники Й. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.

Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокального и инструментального начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла. Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.

Моцарт создал свыше 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества - музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматической и музыкально-симфонической закономерностей, индивидуальность драматургических решений. Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее»; в «Свадьбе Фигаро» на базе оперы-буффа пришёл к реалистической музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»). Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм отличается драматургия оперы «Дон Жуан».

Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта - симфонии, камерные ансамбли, концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симфонии D-dur, Es-dur, g-moll, C-dur). Симфонии Моцарта - важный этап в истории мирового симфонизма. Среди камерно-инструментальных ансамблей выделяются по значению струнные квартеты и квинтеты, скрипичные и фортепианные сонаты. Ориентируясь на достижения Й. Гайдна, Моцарт разработал тип камерно-инструментального ансамбля, отличающийся утончённостью лирико-философской эмоции, развитым гомофонно-полифоническим складом, сложностью гармонического языка.

В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепиано. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепиано с оркестром, дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, изяществом.

Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т. ч. песен, арий, бытовой музыки для оркестра и ансамблей. Из поздних образцов наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты, оратории и др.; среди выдающихся сочинений: мотет «Ave verum corpus», реквием.

Сочинения: Оперы - Митридат, царь понтийский (1770), Луций Сулла (1772, обе - Милан), Мнимая садовница (1775), Идоменей (1781, обе - Мюнхен), Похищение из сераля (1782), Свадьба Фигаро (1786, обе - Вена), Дон Жуан (1787, Прага), Так поступают все (1790, Вена), Милосердие Тита (1791, Прага), Волшебная флейта (1791, Вена) и др.; балетная музыка; оратории и кантаты; мессы; реквием (не окончен);для оркестра - симфонии, в т. ч. D-dur (Haffner, 1782), C-dur (Linzer, 1783), D-dur (Prager, 1786), Es-dur (1788), g-moll (1788), C-dur (1788); серенады, дивертисменты, кассации;концерты для инструментов с оркестром - около 30 для фортепиано (d-moll, 1785; A-dur, c-moll, 1786; B-dur, 1791, и др.), для скрипки (5), для кларнета (A-dur, 1791), для валторны (4);камерно-инструментальные ансамбли - 6 струнных квинтетов (в т. ч. g-moll, 1787), свыше 20 струнных квартетов (в т. ч. 6 квартетов, посвящённых Й. Гайдну, 1782–85, и др.), трио; церковные сонаты, духовые дивертисменты;для фортепиано и скрипки - сонаты (свыше 30), вариации;дляфортепиано - сонаты (19 - в 2 руки, 5 - в 4 руки), вариации, менуэты, рондо, фантазии; хоры; песни, арии и вокальные ансамбли; вокальные каноны и др.

П.И. Чайковский писал в одном из своих дневников: «По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки. Никто не заставлял меня плакать, трепетать от восторга, от сознания близости своей к чему-то, что мы называем идеал, как он. В Моцарте я люблю все, ибо мы любим все в человеке, которого мы любим действительно. Больше всего «Дон-Жуана», ибо благодаря ему я узнал, что такое музыка».

«Вечный солнечный свет в музыке, имя тебе «Моцарт», - воскликнул А. Г. Рубинштейн в своей книге «Музыка и ее представители».

Если, по примеру Гёте, считать, что великие люди своим дарованием и интеллектом обязаны матери, то в случае с Моцартом дело обстоит не так, ибо «Мария Анна Моцартова» ни в каком отношении не возвышается над средним уровнем способностей своего пола. Единственной яркой, перешедшей к сыну чертой ее натуры является истинно зальцбургская склонность к грубовато-комическому.

Отец его - Леопольд Моцарт, родом из немецкого города Аугсбурга, был скрипачом, органистом, педагогом и композитором. Школа скрипичной игры, изданная Леопольдом Моцартом, пользовалась популярностью не только в Австрии и Германии, но и в других странах, в том числе и в России.

Работал он в качестве придворного музыканта и камердинера у зальцбургского вельможи графа Турна, а затем (с начала сороковых годов XVIII века) поступил скрипачом в дворцовый оркестр зальцбургского архиепископа.

Из семи детей от этого брака остались живы только двое: дочь Мария Анна, родившаяся 30 июля 1751 года, которую в семье называли Наннерль, и сын Вольфганг, появившийся на свет 27 января 1756 года. Его рождение едва не стоило матери жизни очень не скоро она смогла оправиться от слабости, внушавшей опасения за ее жизнь.

Дочь проявила столь несомненный музыкальный талант, что отец рано начал заниматься с нею на клавире. Это произвело большое впечатление на мальчугана, которому было около трех лет. Он также усаживался у клавира и мог подолгу развлекаться подбиранием терций. Найдя их, он с радостью повторял созвучия.

Он запоминал отдельные места музыкальных пьес, которые слышал. Ему было четыре года, когда отец, как бы затевая веселую игру, начал разучивать с ним на клавире некоторые менуэты и другие пьесы. За короткий срок он смог играть их с совершеннейшей чистотой и в строжайшем ритме. Вскоре в нем пробудилось стремление к самостоятельному творчеству.

Пятилетний Вольфганг сочинял маленькие пьесы, которые проигрывал своему отцу и просил записать их на бумаге.К шести годам маленький музыкант исполнял сложные виртуозные произведения. Родителям не приходилось упрашивать сына сесть за инструмент. Наоборот, они уговаривали его прекратить занятия, чтобы он не переутомился.

За это же время, незаметно даже для отца, мальчик овладел игрой на скрипке и органе. Отец, его друзья не переставали удивляться такому невероятно быстрому развитию ребенка.

Леопольд Моцарт не хотел, чтобы жизнь Вольфганга была такой же тяжелой и однообразной, как и его собственная. Ведь, несмотря на его многолетнюю непосильную работу, семья Моцартов вела скромный образ жизни, часто не имела даже средств расплатиться с долгами. Стесняло и ограничивало возможности Леопольда Моцарта его зависимое положение придворного музыканта.

Поэтому так рано созревший талант сына рождает надежду устроить его жизнь по-иному - более интересно и обеспеченно. Отец решает везти мальчика с его талантливой сестрой в концертное путешествие. Шестилетний музыкант отправляется завоевывать мир!Семья Моцартов посетила сперва Мюнхен, Вену, а затем крупнейшие города Европы - Париж, Лондон.

В Лондоне Вольфганг близко познакомился с известным музыкантом Иоганном Христианом Бахом - младшим сыном великого композитора Иоганна Себастьяна Баха. Несмотря на различие в возрасте, Бах вел с ним длительные беседы о музыке, знакомил со своими произведениями и с творчеством великих мастеров настоящего и прошлого, играл с Моцартом в четыре руки кроме того, оба они импровизировали.

Более года прожила семья Моцарта в Лондоне, за это время дети дали много концертов, как для широкой публики, так и при королевском дворе. Но этим концертные триумфы не завершились. Получив приглашение из Голландии, Моцарты посетили Гаагу, Амстердам и другие города. Девять месяцев они провели в Голландии.

За это время Моцарт написал много новых произведений среди них одна симфония, шесть сонат для клавесина и скрипки, сборник клавесинных каприччио.

Программа Вольфганга поражала своим разнообразием и трудностью. Маленький виртуоз играл на клавесине один и в четыре руки с сестрой. Не менее сложные произведения он исполнял на скрипке и органе. Импровизировал (одновременно сочинял и исполнял) на заданную мелодию, аккомпанировал певцам незнакомые ему произведения.Вольфганга называли «чудом XVIII века».

Занимала знатную публику и внешность маленького виртуоза. Мальчик был мал ростом, худенький, бледный. Одетый в тяжелый, расшитый золотом придворный костюм, в завитом и напудренном парике, как того требовала мода, он походил на волшебную куклу.

Ради забавы слушатели заставляли ребенка играть по клавишам, закрытым полотенцем или платком, исполнять трудные пассажи одним пальцем. Любимым развлечением публики была проверка его тончайшего слуха. Вольфганг улавливал разницу между интервалами в одну восьмую тона, определял высоту звука, взятого на любом инструменте или звучащем предмете.

Все это было очень утомительно, тем более что концерты в то время длились по четыре, пять часов. Несмотря на это, отец старался продолжать образование своего сына. Он знакомил его с лучшими произведениями музыкантов того времени, водил на концерты, в оперу, занимался с ним композицией.

В Париже Вольфганг написал свои первые сонаты для скрипки с фортепиано, а в Лондоне - симфонии, исполнение которых придало его концертам еще большую славу. Маленький виртуоз и композитор окончательно покорил Европу. Прославленная, счастливая, но уставшая семья Моцартов возвратилась в родной Зальцбург. Был 1766 год.

Но долгожданный отдых длился недолго. Леопольд Моцарт хотел закрепить блестящий успех сына и стал готовить его к новым выступлениям. Начались усиленные занятия композицией, работа над концертными программами.

А тем временем шли заказы на новые произведения, и маленький композитор наравне со взрослыми усиленно сочинял музыку. Так, венский оперный театр заказал ему комическую оперу «Мнимая простушка», и он с успехом справился с этим новым для себя сложным жанром. Репетиции с артистами театра предвещали успех.

Но это первое оперное произведение Моцарта не было поставлено на венской сцене, несмотря на настойчивые хлопоты отца.

Вольфганг тяжело переживал свою первую неудачу. Начинала сказываться зависть и неблагожелательное отношение музыкантов к своему двенадцатилетнему сопернику. Для них Вольфганг перестал быть чудо-ребенком и превратился в серьезного, уже прославленного композитора. Завистники боялись померкнуть в лучах его славы.

Отец решил везти Вольфганга в Италию. Он был уверен, что, покорив своим необыкновенным талантом итальянцев, его сын завоюет себе достойное место в жизни. Моцарты, на этот раз вдвоем, отправились в Италию, на родину оперы.

За три года (1770-1773) отец с сыном посетили крупнейшие города этой страны - Рим, Милан, Неаполь, Венецию, Флоренцию. Второй раз в своей жизни Вольфганг, теперь уже четырнадцатилетний музыкант, переживал триумф. Его концерты проходили с потрясающим успехом. Поражали сложность и разнообразие этих выступлений.

Вновь он выступал как клавесинист-виртуоз (особенно изумляла всех необычайная подвижность его левой руки) и аккомпаниатор, как скрипач и органист.

Кроме того, Моцарт играл на органе в церквях, монастырях, соборах. Его концерты собирали такое огромное число слушателей, что к месту концертов ему помогали прокладывать дорогу силой. К этому прибавились выступления в качестве дирижера, певца-импровизатора. Программа концертов бывала зачастую целиком составлена из произведений самого исполнителя.

Миланский оперный театр, крупнейший театр мира, известный своими замечательными, прославленными певцами, заказал Моцарту оперу «Митридат, царь Понтийский”. За полгода Вольфганг написал это сложное произведение, блестяще справившись со своей задачей. Опера шла двадцать раз подряд с неослабевающим успехом и привела к новому взрыву восхищения и удивления гениальным мальчиком.

Моцарт получил заказы на новую оперу («Люций Сулла») и другие произведения. Поразили итальянцев и фантастически тонкий слух Вольфганга, его гениальная память. Находясь в Риме в Сикстинской капелле во время исполнения многоголосного хорового произведения, Моцарт запомнил его и, придя домой, записал. Произведение это считалось собственностью церкви и исполнялось всего два раза в год.

Выносить ноты из церкви или переписывать их запрещалось под страхом сурового наказания. Но перед чудесным музыкантом отступила и церковь:

ведь Моцарт не выносил нот и не списывал их, он только запомнил!Избрание Вольфганга в члены Болонской академии было еще более необычным фактом.

Его недолгие занятия с известным итальянским теоретиком и композитором падре Мартини привели к поразительным результатам. За полчаса гениальный мальчик написал очень трудное многоголосное сочинение. Впервые в истории Академии ее членом стал столь юный композитор. Талант Моцарта одержал еще одну блестящую победу.

За время пребывания в Италии Моцарт значительно расширил и обогатил свои знания. Сильное впечатление оставили у восприимчивого мальчика произведения знаменитых итальянских композиторов, живописцев, скульпторов. Особенно часто он посещал оперы, концерты, народные празднества, тщательно изучал манеру итальянского пения, инструментальную и вокальную музыку.

Его симфонии, оперы и многие другие произведения, написанные в Италии и позже, свидетельствуют о глубоком проникновении юного композитора в характер и склад итальянской музыки.

Успехи Вольфганга превзошли все ожидания отца. Вот теперь-то, казалось ему, он устроит судьбу своего сына, надежно обеспечит его существование. Его сын не будет вести скучную жизнь провинциального музыканта в Зальцбурге, где нет даже оперного театра, где музыкальные интересы так ограничены.

Но этим надеждам не суждено было осуществиться. Все попытки молодого музыканта, имя которого было у всех на устах, найти работу в Италии были безуспешны. Гениального юношу, как когда-то и чудо-ребенка, никто из важной и всесильной знати не сумел оценить по-настоящему.

Итальянцев настораживала самобытность дарования Моцарта, серьезность и вдумчивость его музыки, отступление от укоренившихся вкусов. Пришлось возвращаться домой, в унылую будничную обстановку. Только что пережитая слава делала обратный путь еще более безрадостным. Забава надоела, увлечение прошло. Моцарт был скоро забыт. В Италии он уже больше никогда не был. Трудное, но счастливое детство и юность кончились.

Началась жизнь, полная творческих свершений и несбывшихся надежд. Родной город встретил прославленных путешественников неприветливо. К этому времени старый князь, относившийся снисходительно к долгим отлучкам Моцартов, умер. Новый правитель Зальцбурга граф Колоредо оказался властным и жестоким человеком.

В юном музыканте, которого он назначил дирижером своего оркестра, граф сразу почувствовал независимость мыслей, нетерпимость к грубому обращению. Поэтому он пользовался любым поводом, чтобы обидеть юношу. От своих слуг, кем был в его глазах Моцарт, Колоредо требовал полного подчинения.

Старый Моцарт, видя безвыходность положения, уговаривал сына смириться и покориться. Вольфганг не мог этого сделать. Положение слуги его оскорбляло. А сочинение церковной музыки, которую особенно любил граф, мелких развлекательных произведений его не удовлетворяло. Он мечтал о сочинении оперы, о жизни, насыщенной интересной, серьезной музыкой, о чутких, отзывчивых слушателях.

С величайшим трудом получив отпуск, Вольфганг едет вместе с матерью в Париж. Ему уже 22 года. Неужели и во Франции не захотят вспомнить чудо-ребенка? Тем более за эти годы так вырос и окреп его талант. Им написано уже около трехсот произведений в самых различных жанрах. Он заслужил признание в самой Италии! Но и в Париже не нашлось места для Моцарта.

Его попытки устроить концерт или получить заказ на оперу остались без результата. Он жил в скромном номере гостиницы и зарабатывал на жизнь, давая за гроши уроки музыки. В довершение ко всему, не перенеся лишений, заболела и умерла его мать. Моцарт был в отчаянии. Впереди его ожидало еще большее одиночество и ненавистная служба в Зальцбурге.

Творческим результатом поездки в Париж были пять замечательных сонат для клавесина, в которых сказалась вся сила и зрелость их таланта.

В течение 1775-1777 годов, вновь проведенных в Зальцбурге, Моцарт, кроме многочисленных духовных сочинений, заказанных архиепископом, и серенад для бытового музицирования в частных домах, написал большое количество сольных концертов. Среди них особенно выделяются скрипичные и фортепианные концерты с оркестром. Здесь Моцарт подошел к своим творческим вершинам в жанре сольного концерта.

Громадной популярностью пользуются ля-мажорный и ре-мажорный скрипичные концерты, поражающие смелостью, яркой образностью, красотой тематического материала, изяществом и стройностью формы.

Унизительное положение музыканта-слуги делало жизнь Моцарта в Зальцбурге невыносимой. Граф Колоредо запрещал ему даже выступать в концертах без своего разрешения. Чтобы еще больше унизить всемирно известного музыканта, он заставлял его обедать вместе со слугами в людской, где композитор должен был сидеть выше лакеев, но ниже поваров.

А в это время с блестящим успехом в Мюнхене шла новая опера Моцарта «Идоменей, царь Крита”.

В эволюции оперного творчества Моцарта «Идоменей» является важным этапом. Значение «Идоменея» в том, что Моцарт, взяв все лучшее, что было в опере-сериа и творчестве Глюка, переосмыслил эти традиции в духе своих творческих принципов и таким образом подошел к созданию опер, являющихся вершиной его композиторской деятельности.

Успех «Идоменея» окончательно утвердил Моцарта в его давнишнем стремлении не возвращаться к зависимому положению придворного музыканта. Терпению Моцарта пришел конец, ничто не могло поколебать его твердого решения ценой потери материального благополучия покончить со своей службой. Он подал письменное заявление об увольнении. Архиепископ не только ответил отказом, но и встретил Моцарта потоком оскорблений.

Моцарт вторично принес заявление: когда он пришел за ответом, оберкамергер архиепископа граф Арко вытолкнул его за дверь. После этого Моцарт в течение нескольких дней был близок к душевному расстройству. Придя в себя, он решил не возвращаться в Зальцбург, а остаться в Вене. В 1781 году Моцарт поселился в Вене, где и прожил до конца своих дней. «Счастье мое начинается только теперь», - писал он отцу.

Так началось последнее десятилетие жизни Моцарта, годы наивысшего расцвета его таланта.

Вскоре композитор женился. Семейная жизнь Моцарта сложилась в основном счастливо. Его женой стала Констанца Вебер, веселая, жизнерадостная, привлекательная девушка. Дружеские отношения Вольфганга и Констанцы быстро переросли во взаимную любовь.

Чувство Моцарта подогревалось совпадением имени его невесты с именем главной героини оперы, над которой он работал в этот период. Однако их желание соединиться встретило препятствие со стороны отца Моцарта и матери Констанцы. Моцарт в августе 1782 года был вынужден увезти невесту из дома матери и тайно с ней обвенчаться.

По заказу Немецкого театра в Вене Моцарт написал комическую оперу «Похищение из сераля”. В это время в Вене, как и в других городах Австрии, усиленно насаждалась итальянская музыка. Это противоречило народным вкусам, но нравилось придворным кругам.

Написать национальную оперу на родном немецком языке было заветной мечтой композитора. Опера Моцарта была восторженно принята слушателями. Только императору она показалась слишком уж сложной. «Ужасно много нот, мой милый Моцарт», - недовольно сказал он композитору. «Ровно столько, сколько нужно, ваше величество», - с достоинством ответил Моцарт.

Сюжет «Похищения из сераля» типичен для оперы XVIII века. Но, несмотря на традиционный тип сюжета, ни в одной опере того времени не было такой мягкой и тонкой музыкальной характеристики героев и их чувств, глубокого проникновения в их психологию, такой задушевности и поэтичности в воплощении лирических образов и такого остроумия и юмора в воплощении комических образов, как в опере Моцарта.

Тяжело складывался для Моцарта начальный период жизни в Вене. Не имея ни постоянного заработка, ни поддержки со стороны родных и близких, потеряв былые связи, он вынужден был работать до изнеможения:

сочинять, давать уроки, выступать. К этому примешивалось беспокойство об отце и сестре, которым он лишен был возможности помогать.

Успех «Похищения из сераля» снова открыл Моцарту двери дворцов и салонов венской знати. Он быстро установил связи с различными меценатами, познакомился с известными европейскими музыкантами. Познакомился он и с Гайдном. В знак глубокого уважения к музыкальным заслугам своего старшего современника Моцарт посвятил ему шесть квартетов.

Гайдн был одним из немногих, кто понял и оценил всю глубину таланта Моцарта. «Я считаю вашего сына величайшим композитором из тех, о ком я когда-либо слышал», - сказал он отцу Моцарта.

В аристократических, общественных и домашних кругах Вены культивировалась тогда инструментальная музыка - симфоническая и камерная, - и Моцарт написал за эти годы между «Похищением из сераля» и «Свадьбой Фигаро» (1782-1786 годы) большое количество концертов для разных инструментов, клавирных сонат и фантазий, квартетов и других камерных ансамблей.«Свадьба Фигаро» написана в традициях оперы-сериа Однако по музыкально-драматическим новаторским принципам она представляет собой новое явление в истории музыкального театра XVIII века.

Развивая принципы, которые уже были заложены в «Похищении из сераля» и намечены в более ранних операх, Моцарт создал реалистическую комедию, в которой каждое действующее лицо имеет свою индивидуальную музыкальную характеристику, богатую и многогранную, раскрывающуюся с разных сторон на протяжении всей оперы в зависимости от сценической ситуации.1 мая 1786 года в Вене состоялась премьера «Свадьбы Фигаро».

Вначале публика встретила ее восторженно. Но неприязнь императора и придворных кругов к новшествам Моцарта сказалась на судьбе оперы: как и «Похищение из сераля», она после нескольких представлений была исключена из репертуара венского театра. Однако музыка «Свадьбы Фигаро» приобрела огромную популярность. Знаменитая ария Фигаро «Мальчик резвый» распевалась и разыгрывалась на улицах Вены, в кабачках и ресторанах, в садах и парках.

Для гениального композитора наступило тяжелое время. Моцарт был лишен даже самых необходимых средств для сносного существования его самого и семьи - жены и детей.

Большим событием для Моцарта был громадный успех «Свадьбы Фигаро» в Праге, она вошла в постоянный репертуар оперного театра. Дирекция его предложила Моцарту написать оперу на сюжет по собственному выбору. Это было очень выгодно Моцарту, ведь он временно избавлялся от материальных затруднений.

Пребывание Моцарта в Праге было счастливым. Там его ценили и понимали, он много и с успехом выступал, слушал чешскую народную музыку, с большим увлечением работал над «Дон Жуаном», который вызвал восторг исполнителей. Премьера «Дон Жуана» в Праге состоялась 29 октября 1787 года.

Эту оперу нельзя отнести к какой-либо определенной жанровой категории. «Дон Жуан» представляет собой синтез и взаимопроникновение высокой музыкальной трагедии и оперы-сериа. Сам Моцарт назвал ее «веселая драма», желая тем самым подчеркнуть драматическую сущность оперы.

В мае 1788 года «Дон Жуан» был поставлен в Вене. Но там его приняли холоднее. После возвращения Моцарта в Вену снова началась полоса материальных невзгод. В конце 1788 года, после смерти Глюка, занимавшего должность камерного музыканта при императорском дворе, Моцарт получил его место.

В течение лета 1788 года Моцарт написал три последние и величайшие симфонии. Симфония ми-бемоль мажор проникнута танцевальными ритмами и интонациями.

Лирико-драматическая симфония соль минор - самая популярная из симфоний Моцарта - по своей задушевности и лирической взволнованности представляет собой уникальное явление в симфонической музыке XVIII века и предвосхищает многое в романтическом симфонизме XIX века. Монументальная симфония до мажор, получившая название «Юпитер», с грандиозным финалом, сочетает сонатную форму с тройной фугой. Ее финал демонстрирует поразительное полифоническое мастерство композитора.

Материальное положение семьи Моцарта не улучшилось. Перенапряженность в работе, постоянные материальные трудности угнетали, приводили в отчаяние великого композитора и постепенно подтачивали его организм. Чтобы облегчить свое положение, Моцарт предпринимал концертные турне. Но они приносили ему мало дохода. Заказов на оперу давно не было.

Лишь в начале 1790 года в Вене была поставлена новая опера «Так поступают все”. А летом 1791 года по случаю коронования Леопольда II королем Чехии Моцарту была заказана опера «Милосердие Тита». В творчестве Моцарта обе эти оперы занимают второстепенное место.

Последняя опера Моцарта «Волшебная флейта» - одно из величайших его созданий. По предложению своего антрепренера и друга Шиканедера, желавшего постановкой оперы на сказочно-волшебный сюжет поправить свои пошатнувшиеся дела, Моцарт начал работу над «Волшебной флейтой». Шиканедер, создавая либретто оперы, использовал поэму-сказку Виланда «Лулу».

Опера эта представляет собой философскую сказку в музыке ярко противопоставляются образы света и тьмы, психологически тонко выражены чувства любящих друг друга Тамино и Памины не менее ярки простодушно-комедийные образы Папагено и Папагены - подлинных персонажей австрийско-немецкого народного театра. Так персонажи сказки становятся живыми людьми, наделенными определенными индивидуальными чертами.

Премьера «Волшебной флейты» состоялась незадолго до смерти Моцарта. Еще до окончания оперы Моцарт получил заказ на Реквием при довольно странных обстоятельствах, казавшихся долгое время загадочными. К нему явился человек, одетый в черное, заказал Реквием и скрылся. Моцарт его больше не видел.

Это посещение произвело на него подавляющее впечатление: давно уже испытывая недомогание, Моцарт воспринял этот заказ на заупокойную мессу как пророчество своей близкой смерти. Позднее все это объяснилось:странный посетитель оказался слугой графа Вальзегга ду Штуппаха, имевшего обыкновение заказывать нуждающимся композиторам различные произведения, покупать их за бесценок и издавать под своим именем.

Так он собирался поступить и с Реквиемом Моцарта. С лихорадочной поспешностью принялся Моцарт за Реквием - свое последнее произведение, - сочиняя его одновременно с «Волшебной флейтой”. Композитору не удалось закончить Реквием: работу над этим великим произведением прервала смерть. Закончил его, используя оставшиеся эскизы и черновые записи, ученик Моцарта Зюсмайер.

Реквием, написанный на традиционный латинский текст заупокойной мессы, выходит за рамки богослужебного культа. Средствами хора, вокального квартета и симфонического оркестра Моцарт воплощает глубочайший мир человеческих чувств и переживаний: драматизм душевных конфликтов, стихийную, грандиозную картину Страшного суда, великую скорбь и горе по утраченным близким, любовь и веру в человека.

Скончался Моцарт в ночь с 4 на 5 декабря 1791 года (на тридцать шестом году жизни). За несколько часов до смерти он напевал песенку Папагено «Известный всем я птицелов» из «Волшебной флейты”. Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров.

Знаменитая легенда об отравлении Моцарта композитором Сальери и сейчас поддерживается некоторыми музыковедами. Но документальные доказательства этой версии отсутствуют.

Похороны Моцарта проходили при трагических обстоятельствах. Из-за отсутствия денег у его осиротевшей семьи великий композитор был похоронен не в отдельной, а в общей могиле. Точное место погребения до сих пор неизвестно.

Моцарт Вольфганг Амадей (1756-1791), австрийский композитор. Представитель венской классической школы, музыкант универсального дарования, проявившегося с раннего детства.

В музыке Моцарта отразились идеи немецкого Просвещения и движения «Буря и натиск», претворен художественный опыт различных национальных школ и традиций. Модифицировал традиционные оперные формы («Свадьба Фигаро», 1786; «Дон Жуан», 1787; «Волшебная флейта», 1791), индивидуализировал жанровые типы симфоний (ми-бемоль мажор, соль минор; до мажор, т. н. «Юпитер», все 1788). Свыше 20 опер, свыше 50 симфоний, концерты для фортепиано и для скрипки с оркестром, камерно-инструментальные (трио, квартеты, квинтеты и др.) и фортепианные произведения (сонаты, вариации, фантазии), «Реквием», (1791; закончен Ф. Кс. Зюсмайром), мессы, хоровые сочинения, песни.

Корни творчества

На фото: Вольфганг Амадей Моцарт. С гравюры неизвестного художника 18 века.

Отцом Вольфганга Моцарта был способный и честолюбивый музыкант, сын переплетчика из Аугсбурга Леопольд Моцарт (1719-1787). В 1739 Моцарт-отец поступил на службу к графу Турн-унд-Таксису в Зальцбурге, четыре года спустя стал скрипачом придворной капеллы князя-архиепископа Зальцбургского. В 1757 занял должность придворного композитора, а в 1763 - придворного вице-капельмейстера.

Леопольд Моцарт приобрел репутацию выдающегося скрипача-педагога; его имя стало известно всей Европе после публикации труда «Опыт фундаментальной школы игры на скрипке» (Versuch einer grundlichen Violinschule, 1756), в котором всесторонне обсуждаются вопросы скрипичной техники и музыкальной теории. Его композиторское наследие включает симфонии, концерты, дивертисменты, камерно-инструментальные ансамбли, клавирные сонаты и пьесы, оратории, мессы, другие композиции для церкви. После 1760 он отказался от продолжения собственной карьеры и всецело посвятил себя воспитанию детей.

Гениальный ребенок

На этом фото Вольфганг Амадей Моцарт в возрасте 6 лет, 1762 год.

Феноменальные способности (абсолютный слух и музыкальная память) Вольфганга Амадея проявились очень рано; в пять лет он уже сочинял менуэты, а в шесть играл на клавире для курфюрста Баварии и для австрийской императрицы. Одаренной клавесинисткой оказалась и его сестра Мария Анна (Наннерль) (1751-1829). Стремясь создать наилучшие условия для профессионального и общего развития своих детей, а также извлечь из их талантов материальную выгоду, Леопольд Моцарт решил вывезти их из провинциального Зальцбурга и продемонстрировать всему миру.

В середине 1763 семья Моцартов отправилась в трехлетнее путешествие по странам Европы. С искусством «чудо-детей» познакомились аристократические аудитории Парижа, Лондона (где Вольфганг взял несколько уроков композиции у И. К. Баха,ведущего представителя модного в то время «галантного стиля»), а также ряда городов Германии и Нидерландов. Этим периодом датируются первые симфонии и ряд сонат Моцарта, а также его первые публикации. Моцарты вернулись в Зальцбург в конце 1766; вскоре в Зальцбургском университете состоялась премьера первого театрального произведения Моцарта - латинского интермеццо «Аполлон и Гиацинт». В середине 1767 была предпринята большая поездка в Вену, где Моцарт написал свою первую итальянскую оперу-буффа «Мнимая простушка» (в 1768 ее венская постановка сорвалась из-за интриг).

На фото: Вольфганг Амадей Моцарт в юные годы. Гравюра со статуэтки неизвестного мастера. Издательство «Музыка».

Первые шаги

1769 год Моцарты провели в Зальцбурге, а в 1770-72 трижды выезжали в Италию. В 1770 Моцарт занимался у самого известного европейского педагога композиции Дж. Б. Мартини (больше известного как Падре Мартини, 1706-84), был избран в болонскую Филармоническую академию и сочинил для Милана оперу-сериа «Митридат, царь Понта». Позднее в Милане были поставлены серената «Асканио в Альбе» и опера-сериа «Луций

Дитина Ольга Сергеевна

МБУ ДО «Череповецкая районная школа искусств»

Оперное творчество Моцарта.

Среди многообразных жанров моцартовского творчества опера была самым любимым. Моцарт писал оперы на протяжении почти всей творческой жизни. Его ранние оперы («Аполлон и Гиацинт», opera buffa «Мнимая простушка» и зингшпиль «Бастиен и Бастиенна») написаны в возрасте 11 – 12 лет, опера seria «Митридат, царь Понтийский» - в возрасте 14 лет, последняя опера – «Волшебная флейта» - написана в год смерти.

Для понимания оперной эстетики Моцарта весьма существенно его высказывание: «В опере поэзия должна быть послушной дочерью музыки». Из этого краткого афоризма становится ясным принципиальное отличие взглядов на оперу Моцарта от взглядов Глюка, который стремился подчинять музыку драматическому действию. Но, считая музыку основой оперы, Моцарт одновременно придавал большое значение драматическому содержанию оперы. В его зрелых операх музыка всегда находится в полном единстве с развертыванием сценического действия. Моцарт был чрезвычайно требователен к либретто своих опер. Композитор считал, что текст либретто должен быть по возможности лаконичным, в нем не должно быть ничего, что затягивало бы действие.

Моцарт требовал от своих либреттистов максимальной лаконичности и внимания к музыке. Отдавая первенство музыке, Моцарт подходил к опере как сложному синтетическому художественному организму, а не только как к музыкальному произведению. Он был убежден, что оперное либретто не является самостоятельным драматическим произведением, и настойчиво, упорно добивался полного его соответствия задачам музыкальной драматургии.

Творчество Моцарта охватывает почти все оперные жанры эпохи – seria («Идоменей», «Милосердие Тита»), buffa («Свадьба Фигаро», «Так поступают все»), зингшпиль («Похищение из сераля», «Волшебная флейта»). Начав свой путь в опере со сложившихся образцов, в зрелые годы композитор пришел к созданию совершенно новых оперных типов. В них он отобразил обязательные для классицизма законы о разграничении высоких (серьезных, трагических) и низких (комедийных) жанров, объединив их черты в рамках новой реалистичной драматургии. Особенно ярко это проявилось в трех главных вершинах оперного творчества Моцарта – «Свадьбе Фигаро», «Дон-Жуане» и «Волшебной флейте». При этом опорой композитору служили, прежде всего, buffa и зингшпиль – разновидности комической оперы.

Периодизация

Хронологическое расположение важнейших опер Моцарта, созданных в 8-е годы, представляет собой своеобразную симметрию. В начале и в концедесятилетия располагаются два зингшпиля – «Похищение из сераля» (1782) и «Волшебная флейта» (1791),написанные на немецкие тексты с разговорными диалогами вместо речитативов. Внутри него – 2 оперы на итальянские тексты, развивающие традиции итальянской оперыbuffa – «Свадьба Фигаро» (1786), «Так поступают все» (1790), а между ними «Дон Жуан» (1787), сочетающая важнейшие черты трагедийного и комедийного музыкального театра и являющаяся психологической музыкальной драмой.

Отдавая дань происхождению инструмента, Гайдн порой писал музыку в характере охотничьих интонаций, и это стало впоследствии традицией. Но даже в финалах и особенно во вторые части- Andante - он включал темы валторны, построенные на мягком, певучем звучании.

По-новому зазвучала валторна в творчестве В.А. Моцарта. Известно, что гениальный композитор не обошел буквально почти ни один существовавший в его время инструмент, в том числе и валторну. В четырех концертах для валторны с оркестром Моцарт открывает новые выразительные возможности этого инструмента - красивое лирическое пение. В фортепианном квинтете, в квинтете для валторны и струнных Моцарт отводит валторне большие кантиленные эпизоды, особенно в медленных частях сонатного цикла. Часто характер мелодии приближался к ариям из его опер, как, например, в Романсе из Четвертого концерта.

Приемы гайдновского использования валторны в оркестре еще более отточились и развились в симфониях и операх Моцарта, а некоторые, как, например, гармоническая поддержка, дополнились тембровым выделением отдельных тонов. Для этого Моцарт нередко поручал валторнам унисонные звуки на р. Значительно расширилось «поле деятельности» валторны как солирующего инструмента оркестра. Ее небольшие фразы, подголоски и отдельные звуки слышны почти во всех оркестровых произведениях, а в трио Менуэта из симфонии соль минор дуэту валторн композитор уделил целый эпизод напевно-лирического характера.

Не лишая валторну мягкости и красоты звука, Моцарт очень часто пишет для нее партии, исполнение которых предполагает весьма развитую губную технику валторниста. Это гаммообразные пассажи в концертах, виртуозные эпизоды в камерных сочинениях (фортепианный квинтет), а иногда и целые пьесы или части циклических сочинений (концертное рондо, квинтет для валторн, скрипки, двух альтов и баса). Поразительное знание Моцартом валторны (как, впрочем, и всех музыкальных инструментов) не случайно. Так же как и Гайдн, он был постоянно среди народных музыкантов, в центре музыкальных вечеров и увеселений, для которых тоже создал очень много самых различных серенад, дивертисментов и других произведений. Бытовое музицирование нашло яркое отражение в «Деревенской симфонии», написанной Моцартом с большим чувством юмора. Ее исполнение всегда вызывает веселое оживление публики, особенно там, где автор умышленно использует фальшивые звуки для изображения пьяных валторнистов, перепутавших кроны своих инструментов. Особая дружба связывала композитора с валторнистом Игнацом Лейтгебом. Солист Зальцбургской капеллы И. Лейтгеб, толковый, но малообразованный валторнист, совмещал свою концертную деятельность с торговлей сыром. На протяжении многих лет он был другом семьи Моцартов, и между ним и Вольфгангом существовали самые непринужденные товарищеские отношения, о чем свидетельствуют, например, надписи и посвящения Моцарта на рукописях. Так, партитура Первого концерта полна комическими и ироническими изречениями, вроде: «кончили? Спасибо, у цели! Баста, баста!!!», а на Втором концерте написано: «Вольфганг Амадей Моцарт из чувства жалости к Лейтгебу, ослу, быку и дураку. Вена 27 мая 1783 г.»

Но Четвертый концерт имеет посвящение: «Валторновый концерт для Лейтгеба».

Новое положение обрела натуральная валторна в творчестве Л. Бетховена. Основываясь на возможностях инструмента и принципах его оркестрового применения, установленных Гайдном и Моцартом, Бетховен уловил в звучании валторны нечто героическое. В его симфониях, опере «Фиделио» и увертюрах к ней, в музыке к трагедии Гете «Эгмонт», а также в камерных сочинениях, валторне поручаются партии энергичного, мужественного, а нередко и героического характера. Очень часто Бетховен предпочитал именно валторну в центральных, кульминационных местах произведений (например в Третьей, Пятой, Седьмой, Девятой симфониях). Музыкальные задачи требовали новых исполнительских приемов: решительность, твердость, ритмическая упругость звукоизвлечения, большие градации динамики в атаке звука и звуковедении - вот что предъявил Бетховен валторнистам.

Героическая интерпретация валторны как инструмента ярко выражена Бетховеном в его сонате фа мажор. Трехчастное произведение повествует о становлении героического начала, скорби утрат и победе неистощимой силы жизни. Скупыми средствами натуральной валторны, иногда всего несколькими звуками Бетховен создает образы героического стремления, провозглашения воли, лирических раздумий и призывов к борьбе, утверждения победы. В репертуаре валторниста эта соната является сложным произведением. И не случайно она входит в обязательную программу большинства конкурсов.

Бетховенские требования не возникли в отрыве от валторновой исполнительской практики: уровень мастерства и виртуозности в его время был очень высоким. Наибольшей известностью тогда пользовался богемский валторнист Ян Вацлав Штих-Пунто. Именно его игра вдохновила Бетховена на создание сонаты, первым исполнителем которой и был этот виртуоз.

Примером использования валторны в оркестре Бетховена как героического инструмента служит финал его Третьей симфонии, где унисону валторн поручается проведение темы в победном звучании.

Однако только героикой не ограничиваются партии валторн в музыке Бетховена. В его симфониях и камерных произведениях валторна часто исполняет кантиленные соло, имеющие характер музыкальных рассуждений, размышлений (секстет с двумя валторнами, септет, соло четвертой валторны из Adagio Девятой симфонии и другие сочинения). В Andante из фортепианного квинтета большое лирическое высказывание валторны имеет несколько романтический оттенок. Здесь Бетховен как бы предвосхищает дальнейший путь инструмента.

Использование валторны в творчестве Бетховена очень разнообразно: ансамбли с деревянными инструментами, соло, унисоны, а в «Героической симфонии» - виртуозное трио валторн.

Бетховен применял технические пассажы валторн. В коде «Героической симфонии» их партия усиливает ощущение победного финала. Особенно насыщены пассажной техникой валторновые партии камерных произведений. Солирующую валторну Бетховен применял в скерцо своих симфоний, продолжая традицию Гайдна и Моцарта.

Большинство симфонических партитур Бетховена включает две валторны. Однако иногда их число доходило до четырех. Распределение партий у второй пары валторн было таким же, как и у первой, но строй их, как правило, был другим. Четыре валторны могли уже обеспечить полную гармонию, а применение разных строев еще больше увеличило возможности их использования в оркестре, поэтому квартет валторн окончательно укрепился в оркестре с XIX века.

Валторна во Французской и Итальянской музыке

Со второй половины XVIII века валторна получила в Европе повсеместное распространение. В различных странах возникали национальные музыкальные школы, создавались произведения для симфонического оркестра, развивалось исполнительство, при этом национальные черты накладывали отпечаток на инструменты оркестра, в том числе и на валторну.

Охотничий рог, а за ним и валторна были широко распространены во французской музыке. Использование валторны до второй половины XIX века носило здесь общепринятый классический характер. Тут и тонкий гармонический аккомпанемент, участие в общей оркестровой ткани в виде сольных реплик, и имитации охотничьих сигналов. Концертный репертуар в то время создавался как самими валторнистами-виртуозами, так и композиторами. Л. Керубини, родился в Италии, но считался французским композитором, сочинил две сонаты для валторны и струнного оркестра, в которых широко использовал кантиленные и виртуозные возможности инструмента. Ф. Дювернуа, солист оркестра Парижской оперы и профессор консерватории, опубликовал в 1802 году школу («Methode pour de cor») и создал ряд ансамблевых произведений для валторны. Валторнист Л. Допра славился как виртуоз и композитор для своего инструмента. Его школа для альтовой и басовой валторны была тогда большой педагогической ценностью. Значительно обогатил репертуар, известный исполнитель на натуральной валторне, а позднее на инструменте с вентилями Ж. Галле. Он - автор школы для валторны а так же многих великолепных этюдов и фантазий соло.

Во Франции валторна чаще всего применялась в опере, здесь особенно заметна связь ее звука с вокальными партиями. Наиболее яркий образец развернутого использования солирующей валторны во французской опере первой половины XIX века-ария Валентины из третьего акта оперы «Гугеноты» Дж. Мейербера.

Валторна в итальянской музыке XVIII и первой половине XIX века также была связана с оперой. Тонкий оперный аккомпанемент, взаимодействие певцов, хора и оркестра наложили отпечаток на стиль валторновых партий. Валторны хорошо уравновешивали звучание оркестра, усиливая струнную и деревянную группы и смягчая медные духовые.

Применялась валторна и в камерной инструментальной музыке. Так, Дж. Паизиелло в своих дивертисментах для духовых инструментов включал ее в гармонический аккомпанемент.

Особенно интересны партии валторны у Дж. Россини. Он очень любил этот инструмент и поручал ему сольные эпизоды. Валторновые соло в увертюрах к операм «Семирамида», «Сорока-воровка», «Севильский цирюльник» широко известны среди музыкантов-профессионалов и любителей музыки.

Россини не ограничился оркестровым применением валторн, его перу принадлежат виртуозные вариации для валторны и фортепиано, шесть квартетов для флейты, кларнета, валторны и фагота, охотничьи фанфары для четырех валторн.

Во второй половине XIX века валторна нашла свое новое применение - лирико-романтическое, возникшее не без влияния оперы, которая требовала особой выразительности фразировки, красивого легато, тонких динамических градаций. Композиторы все более придавали значение звуку как важной оркестровой краске. Чрезвычайно тонко тембр валторны использовался в операх Дж. Верди. Несмотря на то что его партитуры не богаты развитыми соло валторн, каждый их звук очень выразителен. Чаще всего валторной подчеркивались важные в музыкально-драматургическом отношении гармонии, а иногда и острые драматические ситуации. Например, пассажи третьей валторны в опере «Аида», или партии валторн в «Отелло».

Французские композиторы более богато и разнообразно применяли валторну в плане лирических «высказываний». Так в опере «Фауст» Ш. Гуно ее певучие звуки сопутствуют многим диалогам героев. Особенно выделяются они в одном из центральных эпизодов пролога: в главной музыкальной теме - теме любви Фауста и Маргариты, которая неоднократно проходит в опере.

Однако Гуно отнюдь не считает валторну исключительно «певцом любви». В той же опере есть и иные примеры ее применения - от пасторального наигрыша во вступлении до зловещих закрытых звуков в серенаде Мефистофеля и сцене в храме. Мотивом роковой неизбежности звучит ритмически повторяющаяся октава валторн в начале второго акта оперы.

Мастерски применена валторна в опере «Кармен» Ж. Бизе, где ее отдельные сольные звуки и проведения тем чрезвычайно выразительны. В арии Микаэлы из третьего акта оперы она большими экспрессивными фразами отображает развитие чувств героини.

Во Франции наметилась большая линия концертной трактовки валторны. Родоначальником ее можно считать К. Сен-Санса, который написал два романса и Концертную пьесу для валторны с оркестром. Пьеса демонстрирует буквально все выразительные возможности валторны, а финал ее считается одной из вершин технической трудности. Композитор П. Дюка в Виланелле для валторны с оркестром с большим мастерством нарисовал своеобразную жанровую сцену игры валторниста перед деревенской публикой. Здесь и простой народный напев, и тема пасторального наигрыша, и речитативная декламация, и своего рода соревнование валторниста с оркестром.

Совершенно новое, необычное использование валторна получила у композиторов-импрессионистов - К. Дебюсси и М. Равеля. Значение тембра звука валторны в оркестре возводится ими в новую высокую степень. Знания тембровых тонкостей инструментов Дебюсси и Равелем поразительны, и применение этих знаний так многообразно, что партии валторн в их сочинениях в какой-то мере могут служить энциклопедией для исполнителей и композиторов. Такую «энциклопедическую» партию валторн можно услышать в «Послеполуденном отдыхе Фавна» Дебюсси. Фразы, напоминают звуки отдаленного рога.

«Водяные» аккорды и красочные переливы валторновых звуков есть в «Море» Дебюсси, бурные всплески - в «Вальсе» Равеля. Верхний регистр инструмента - светлый и красивый - применил Равель в сольных эпизодах «Болеро», «Паваны» и концерта для фортепиано с оркестром соль мажор.

Валторна в творчестве немецких композиторов

Использование валторны в создании образов, поручение ей музыкальных тем, исполненных вдохновенных мыслей, получило развитие у композиторов немецкой школы. Всего тремя звуками создал К.М. Вебер. Поэтичный образ Рога Оберона в увертюре к опере «Оберон». Валторна в тишине изображает звук рога, это первые звуки увертюры, после вступает оркестр.

В опере «Вольный стрелок» звуки валторны слышатся непрестанно, как бы напоминая о просторах лесной стихии. Здесь и поэтичный квартет валторн в увертюре, и великолепный солирующий квартет в антракте к третьему действию. Далее валторны повторяют те же мелодии, аккомпанируя знаменитому хору охотников. Но находки Вебера этим не ограничились. Оказалось, что валторны могут звучать «страшно фантастично.» И такое звучание мы слышим в сцене «Адской охоты» из той же оперы.

Вебер написал также очень красивое Концертино для валторны с оркестром - и сейчас труднейшее произведение репертуара валторниста. В нем использованы все возможности виртуозной техники и даже игра аккордами. Извлекая один звук на валторне, исполнитель поет голосом другой, и если ему удается получить точный интервал между этими двумя тонами, равный терции, квинте или какому-либо другому интервалу, но обязательно входящему в натуральный звукоряд, то слышится звучание целого аккорда. Лишь очень немногим удается овладеть таким приемом игры и добиться «приличного» звучания, поэтому в большинстве случаев музыканты пользуются облегченным вариантом, предусмотрительно предписанным автором.

Поразительны по богатству оттенков и исключительны по трудности партии валторн у Шумана. Необыкновенная красота Adagio и Allegro для валторны с фортепиано вдохновила многих музыкантов переложить его для других инструментов, которые не смогли прозвучать в этой пьесе выразительнее, чем валторна. Только тембр именно этого инструмента, поющий задумчиво-мечтательную мелодию в Adagio и страстно возбужденную в Allegro, наполняет произведение подлинной романтикой. Шуман любит пользоваться крайними верхними нотами валторны в местах кульминационных взлетов. Они есть и в Adagio и Allegro и в партиях первой и третьей валторн Третьей симфонии. Но и эти трудности кажутся «пустяком» по сравнению с концертом для четырех валторн с оркестром. Прекрасная музыка концерта исполняется крайне редко из-за невероятных трудностей партии первой валторны, доходящей дважды до ля второй октавы -ми третьей октавы в строе F.

Необычайно прекрасна мелодия Ноктюрна из музыки Ф. Мендельсона к комедии Шекспира «Сон в летнюю ночь». Тема исполняется первой валторной под аккомпанемент второй валторны и фаготов. Слышится звучание отдаленного хора, поющего вечернюю песнь.

Чрезвычайно насыщенные партии валторн мы встречаем в оперных партитурах Р. Вагнера. Валторны у него звучат почти все время, то связывая и усиливая группы оркестра, то сочетаясь с какой-либо одной из них, то выступая самостоятельно. Вагнер широко пользовался тембровыми красками, применяя каждый инструмент глубоко осмысленно. Не случайно сигнал Зигфрида, героя немецкой легенды поручен именно валторне - инструменту овеянному романтикой лесной стихии. Этот сигнал служит лейтмотивом Зигфрида в тетралогии «Кольцо нибелунга»

Некоторые партитуры Вагнера включают восемь валторн. Так, в опере «Золото Рейна» имеется знаменитый эпизод, где они вступают поочередно (канонически), являя собой выдающийся образец ансамблевого применения валторн в оркестре. По заказу Вагнера были изготовлены новые вентильные медные духовые инструменты -валторновые тубы. По размерам и строю тубы делятся на теноровые и басовые, Они снабжены валторновым мундштуком и по конструкции родственны валторнам, хотя по виду и тембру отличаются от них. Как правило, на тубах играют валторнисты. Вагнер применял эти инструменты в «Кольце нибелунга». Особенно знаменит исполняемый на тубах траурный марш в «Гибели богов». Своеобразное суровое и угрюмое звучание квартета вагнеровских туб впоследствии не раз вдохновляло А. Брукнера, Р. Штрауса и других композиторов.

Лирико-романтическое звучание валторны было свойственно и многим симфоническим произведениям того периода. Каждая из четырех симфоний И. Брамса имеет эпизоды солирующей валторны, среди которых особенно выделяется вдохновенная мелодия третьей части симфонии.

В большом четырехчастном трио ми-бемоль мажор для скрипки, валторны и фортепиано Брамса, партия валторны имеет весьма значительную «гамму» чувств - от задумчивой лирики до страстного пафоса, от скорби и трагизма до светлого жизнеутверждения. Подобно сонате фа мажор Бетховена, интерпретирующей валторну как инструмент героический, трио Брамса представляет ее с такой же яркостью инструментом лирических настроений.

Очень выразительна лирическая партия валторны в сольных эпизодах симфонии С. Франка. Во второй ее части валторна красиво сочетается с кларнетом в унисонном проведении основной темы.

Совершенствование конструкции валторны открыло новые горизонты для ее оркестрового применения и в немецкой музыке второй половины XIX - начала XX века. Симфонии А. Брукнера, с их глубоким философским содержанием, чаще всего основывались на использовании тембра валторны как средства оркестровой драматургии. В этом отношении выделяется Четвертая симфония, партии валторн которой хотя и не отличаются большими техническими трудностями, но так велики по размерам, что, например, первая валторна играет почти непрерывно. Особо следует отметить применение Брукнером вагнеровских валторновых туб. В Седьмой симфонии две теноровые и две басовые тубы неоднократно проводят знаменитую тему Adagio, а также исполняют сольные эпизоды в финале.

От четырех до восьми валторн участвуют в симфониях Г. Малера. Они составляют одну из ведущих групп его оркестра. Партии валторн, при всем их многообразии, имеют у него особое лицо, свой стиль, позволяющий говорить о «малеровской» валторне. Стиль этот можно назвать романтически-экспрессивным. Почти во всех оркестровых сочинениях композитор поручает валторне задумчиво проникновенные соло, овеянные романтической грустью, как, например, в первой части Первой симфонии, в третьей части Четвертой симфонии, в песнях. В первой части Четвертой симфонии валторна исполняет задорные уличные мелодии, а во второй, становясь одним из главных солирующих инструментов, главных действующих лиц «хоровода смерти», «то ласкает чарующими звуками, то страшно звенит медью » gestopft. В Скерцо Пятой симфонии первой валторне поручена веселая грациозная мелодия.

Наряду с этим партии валторн всех симфоний Малера изобилуют динамически острыми, экспрессивными фразами. Наконец, валторновые партии симфоний Малера настолько развиты и наполнены сольными эпизодами (особенно Пятая симфония), что нередко приобретают концертный характер.

Р. Штраус - сын известного валторниста Франца Штрауса, которого выдающийся дирижер, пианист и композитор Ганс фон Бюлов называл «Иоахимом валторны». В своих сочинениях он отдал дань отцу: партитуры всех его сочинений включают виртуозные партии валторн, подчас трудно исполнимые. Есть в них и сольные эпизоды, проводящие главную тему произведения, например, в «Жизни героя» или в симфонической поэме «Тиль Уленшпигель», где звуками валторны создается образ весельчака и проказника Тиля.

P. Штраус включает в свои сочинения от четырех до восьми валторн, а в «Альпийской симфонии» даже двадцать: восемь в оркестре и двенадцать за кулисами для исполнения охотничьего сигнала. Штраусу принадлежат два концерта для валторны с оркестром, прочно вошедших в репертуар валторнистов. Первый из них написан в 1883 году, когда Штраус был еще студентом Мюнхенского университета. Произведение проникнуто гордым, восторженным чувством радости жизни. Второй концерт сочинен в конце творческого пути - в 1942 году. По сравнению с первым концертом, он более сложен по форме. Музыка его навеяна интонациями собственных оркестровых произведении, а в главной теме финала почти цитатно использована фраза партии валторны из «Тиля Уленшпигеля».

Валторна в творчестве русских композиторов

Во второй половине XVIII -начале XIX века формируется русская композиторская школа. Русский симфонический оркестр, и по составу инструментов и по характеру применения их, соответствовал общепринятым в то время нормам европейских оркестров. Та же роль отводилась и валторне - сольные фразы, гармонический аккомпанемент. Наиболее смело поручал ей сольные эпизоды. О. А. Козловский. В увертюре из его музыки к трагедии Н. Озерова «Фингал» есть большие соло, а в антракте ко второму действию сольный эпизод является, по существу, концертной пьесой для валторны с оркестром.

В соло валторны из балета А. Алябьева «Волшебный барабан или Следствие Волшебной флейты» слышатся интонации модной в то время итальянской оперной музыки. Алябьевым написан также первый русский квинтет для флейты, гобоя, кларнета, валторны и фагота.

В первой половине XIX века завершалось формирование русской музыкальной школы. Сочетая в своем творчестве богатство русской народной музыки и высочайшие достижения музыкального мастерства М. И. Глинка создал основные принципы национального музыкального стиля, в том числе и в области инструментовки. «Инструментовка находится в прямой зависимости от самого творчества музыкального. Красота музыкальной мысли вызывает красоту оркестра», - говорит композитор в своих «Заметках об инструментовке»

Партии валторн в оркестре Глинки на первый взгляд кажутся очень простыми, как бы ничего нового не прибавляющими к принципам классического применения их в оркестре. В них нет изобилия виртуозных пассажей, развернутых соло, большей частью они состоят из гармонических звуков, подголосков, небольших сольных фраз, отдельных нот. Однако эти «отдельные ноты» в общем содержании его музыки оказываются так важны, так выразительны, что их исполнить бывает нелегко. Таковы, например, выдержанные октавные звуки в знаменитом каноне -из первого акта оперы «Руслан и Людмила», изображающие картину всеобщего оцепенения при похищении Людмилы; засурдинениые валторны в арии Ратмира, создающие волшебный колорит; реплики-фразы и сочетания с деревянными духовыми инструментами в той же опере и т. д. Красивые фразы солирующих валторн в «Вальсе-фантазии», в «Камаринской», в опере «Иван Сусанин» украшают оркестровое звучание или оттеняют музыкальную ситуацию. В романсе Антониды из оперы «Иван Сусанин» беспредельная скорбь подчеркивается звуками валторны в аккомпанементе и вместе с вокальной партией достигает большой выразительной силы.

В творчестве Глинки мы встречаемся с явлением, какого не было в практике игры на валторне: смысловым звукопроизнесением. «Лаконизм партии, какая-то удивительная уместность звуков валторны в действии оперы, связь с содержанием действия ставит перед исполнителем новые задачи: нужно проникнуться значением партии, найти особую выразительность исполнения, чтобы «досказать» мысли певца, оттенить драматизм ситуации. Так родился музыкальный исполнительский стиль, получивший развитие в русской музыке конца XIX и начала XX века, стиль, основанный на осмыслении тембра, на певучем произнесении и ведении звука. »

Очень интересна партия валторны в опере «Князь Игорь» А. П. Бородина. Ее звучание слышится на протяжении всей оперы. Уже в увертюре она исполняет полную поэтического вдохновения мелодию из арии Игоря.

Необыкновенно красивы сольные эпизоды валторны в половецком акте каватина Кончаковны, каватина Владимира Игоревича, оригинальны эффекты закрытых звуков в плясках. Несмотря на то что опера завершена не автором, а Римским-Корсаковым и Глазуновым, можно предполагать, что стиль инструментовки Бородина и его намерения, в частности в отношении валторн, были соблюдены. Свидетельством прекрасного знания Бородиным этого инструмента может служить большое соло в Andante его Второй «Богатырской» симфонии. Повествовательный характер темы, сопровождаемой арфой, вызывает ассоциацию с образом древнего певца-сказителя Баяна.

Римский-Корсаков на основе глинкинских принципов инструментовки создал поразительный по красочности и выразительности живописный стиль музыки. В оркестре Римского-Корсакова валторне отведено очень большое место - Соло валторны есть во всех его оркестровых произведениях. Они разнообразны, и в них всегда учтены выразительные возможности инструмента. Мы снова, как у Глинки, слышим русскую напевность валторновых партий в увертюре к опере «Майская ночь» в «Псковитянке», увертюра, антракт, последнее действие. В Ночь перед Рождеством, вступление к опере, третье действие, и других его операх.

В опере «Сказка о царе Салтане», партии валторн, особенно первой, очень разнообразны по характеру и богаты сольными эпизодами Они изображают музыкальные картины моря (второй, третий акты, плывущая по морю бочка), слышны в темах Гвидона и Салтана в унисоне валторн с указанием поднять раструб, в шествии богатырей.

Многие виртуозные соло требуют исключительной подвижности губного аппарата. Удивительно красиво передаются валторной «птичьи в горле переливы» в арии Царевны-Лебеди.

Интересно использован Римским-Корсаковым приём закрытого звука в мелодичном соло второй части сюиты «Шехеразада», создающий впечатление, будто валторна слышна издалека.

Большинству валторновых соло в произведениях Римского-Корсакова свойственны либо изобразительный характер, либо эпический, повествовательный.

Очень красочно рисует музыкальную картину русского былинного склада солирующая валторна во второй части его квинтета для фортепиано и духовых инструментов.

Развитие глинкинского принципа инструментовки как дополнения, высказывание музыкальной мысли тембрами инструментов нашло свое продолжение и в музыке П. И. Чайковского. Стремление отразить со всей полнотой духовную жизнь человека побудило его создать богатый и очень своеобразный оркестровый стиль, в котором использование валторны имеет свои особенности. В ответственных соло и при объединении нескольких валторн, в соединении валторны с другими инструментами они часто, исполняют основные темы произведений Чайковского. Наиболее яркий пример- первоначальное проведение валторновой темы в знаменитом Andante из Пятой симфонии. Главные темы, исполняемые валторной в произведениях Чайковского, очень многообразны. Здесь и протяжная, полная задумчивости и печали мелодия в первой части Второй симфонии (вступление), и народно-повествовательная тема в увертюре к опере «Черевички», и полные фатальной неизбежности фанфары в Четвертой симфонии. Неразрывное единство тембра валторны и содержания мелодий делает их неповторимыми по своей выразительности.

Творчество Моцарта, всеобъемлющее по охвату жанров и по широте музыкально-стилистических связей - один из важнейших этапов в мировом развитии оперы, симфонии, концерта и камерной музыки. В нём обобщён многовековой опыт композиторов различных стран, прежде всего австрийских, немецких, а также итальянских, французских, чешских.

Завершая 18 в., оно оказало влияние на позднее творчество И. Гайдна и непосредственно подвело к 19 в. - к героике Л. Бетховена (симфония C-dur, позднее названная «Юпитер») и романтике Ф. Шуберта (симфония g-moll). Как музыкальный драматург Моцарт преобразовал бытовую комическую и сентиментальную оперу и создал новые оперные жанры зрелого реалистического стиля.

Творческому методу Моцарта присущи правдивость и многосторонность в изображении характеров, раскрытие образов в их развитии и взаимодействии, единство типического и конкретного, контраст трагического и шутливого, сочетание сердечности с иронией, реальности с фантастикой.

На основе итальянской оперы-буффа (и отчасти оперы-сериа) возникли опера-комедия «Свадьба Фигаро» и опера-драма «Дон Жуан», на основе австро-немецкого зингшпиля - национальная опера-сказка «Волшебная флейта», включившая и другие сценические и музыкальные жанры - от священного представления до феерии, от форм итальянской оперы до хорала и фуги.

Менее всего отвечал творческой натуре Моцарта героико-мифологический и условно-исторический жанр оперы-сериа, как это показали не столько его ранние произведения («Митридат», «Луций Сулла»), сколько позднейшее - «Милосердие Тита» (вымышленный эпизод из жизни римского императора). Но и в эту область Моцарт внёс новое и уже в опере «Идоменей» (по мотивам древнегреческой истории и мифологии) по-своему развил завоевания музыкально-драматического искусства К. В. Глюка.

В отличие от Глюка, резко ломавшего старые каноны оперы, Моцарт шёл путём внутреннего обновления и скрещивания музыкально-сценических форМоцарта

В синтезе музыки и драмы Моцарта оставляя главенство за музыкой, будучи одновременно требовательным к драматическому содержанию и качествам литературного текста. Взаимопроникновение симфонизма и драматургии, при неизменном преобладании вокального начала, определяет многие стороны музыкального театра Моцарта Важнейшие узловые моменты действия воспроизводятся Моцарта в музыкально цельных и драматургически действенных ансамблях, включая богато развитые финалы. В ансамблях особенно полно сказались равновесие музыкальной и драматических сторон, гармония общего звучания при характерности отдельных вокальных линий, обеспечивающих индивидуальную определённость каждого персонажа. Лирические, комические, драматические, арии в операх Моцарта - звуковые портреты героев.

Гармонически ясное и яркое по выразительности искусство Моцарта, представителя венской классической школы, родственно просветительскому классицизму с его культом разума, идеалом благородной простоты и оптимизмом и в то же время сентиментализму с его культом сердца и утверждением прав личности, в частности его радикальному крылу - течению «Бури и натиска».

В сочетании страстного лиризма, сердечности, силы выражения с высокой организованностью и волевой собранностью заключается своеобразие искусства Моцарта. Преодолевая традиции аристократической культуры, но сохраняя жизненные элементы галантного стиля, переосмысливая и подчиняя их более глубокой эстетической концепции, Моцарта утверждал новый прогрессивный путь развития музыки. Индивидуализация образов, наполненность экспрессией, стремительность развития, насыщение драматизмом - всё это обогатило мелодические, гармонические, полифонические средства, усилило внутреннюю динамику и контрастность композиционных форм, обусловило новые принципы использования инструментов и голосов в оркестре и вокальном ансамбле. Многогранная музыка Моцарта нередко с потрясающей силой передаёт скорбно-лирические («вертеровские») или мрачные трагические настроения, однако в ней преобладают светлые тона. Красота музыки Моцарта, изящной и совершенной по форме, отражает полноту ощущения жизни, воплощает мечту о счастье.

Обогатив гармонию и инструментовку, Моцарт вместе с тем усилил роль мелодии. Используя, как и Глюк, сопровождаемый оркестром речитатив перед арией, Моцарт, в отличие от Глюка, не отказался в своих операх на итальянские тексты от речитатива-секко (в сопровождении клавесина) для воспроизведения диалогов. Скромные по своим музыкально-выразительным средствам, но стремительные и живые диалоги-речитативы гибко передают омузыкаленные речевые интонации. Драматической образностью наполнены лучшие из оперных увертюр Моцарта - симфонические пьесы самостоятельного и крупного художественного значения.

Тематика опер Моцарта отразила передовые социальные и этические идеи эпохи. Антифеодальная тенденция непосредственно выступает в опере «Свадьба Фигаро» по комедии «Безумный день, или Женитьба Фигаро» Бомарше. Революционная острота комедии в опере смягчена (отчасти по цензурным соображениям), поэтичнее, чем в комедии, воплощена любовная тема. В то же время социальная идея - победа энергичных, умных, достойных людей из народа (Фигаро и его невесты Сюзанны) в упорной борьбе против притязаний аристократа - сохранена в опере полностью и составляет основу драматического развития и музыкальных характеристик. Новую трактовку получила старинная испанская легенда в опере «Дон Жуан» - «весёлой драме» (dramma giocoso), сочетающей комедийные и трагедийные элементы, психологическую углублённость и занимательную интригу, фантастическую условность и бытовую достоверность. Заглавный герой олицетворяет жизненную энергию, темперамент, неотразимое обаяние, свободу чувства.

Поэтизируя этот образ, Моцарт вместе с тем не оправдывает Дон Жуана. Своеволию сильной личности он противопоставляет твёрдые принципы разума и нравственности, олицетворённые в символической фигуре Командора и в возвышенном, целомудренно строгом образе Донны Анны.

В весёлой и изящной опере «Все они таковы» (в буквальном переводе: «Так поступают все женщины») буффонада преображена тонкой иронией, типаж чётко выгравирован в ариях и особенно в ансамблях (их здесь значительно больше, чем арий).

Чистое и благородное чувство юношеских сердец, верность в любви и дружбе воспеты в зингшпиле «Похищение из сераля» с его весьма условным восточным колоритом и в философской драмаматической опере-сказке «Волшебная флейта», рисующей утопический идеальный мир мудрости и добродетели. «Волшебной флейте» свойственны черты морализирования и символики в духе масонства (с 1784 года Моцарт был членом масонского ордена - «свободным каменщиком» в конце 1785 он вошёл в ложу «К добродетели»).

Опера прославляет победу света над мраком, дружбы над враждой, стойкости над малодушием, человеческой любви над злыми силами мира. В чарующей музыке воплощены величие духа и простосердечность, трогательность и комизм, аллегорическое глубокомыслие и наивность. В «Волшебной флейте» Моцарт осуществил свою мечту - создать большую оперу на родном языке.

И «Свадьба Фигаро», и «Дон Жуан» по своим художественным принципам, драматургии и музыкальному складу - создания венской школы, но они, как и большинство опер Моцарта, написаны на итальянском языке и в формах, близких итальянской опере, господствовавшей в те годы во многих странах.

«Волшебная флейта» возникла на иной основе. При всей отвлечённости и экзотичности её сюжета, при всей необычности её музыкальной драматургии эта опера наиболее близка национальному характеру, народной песенности и отечественной полифонии, традициям австрийского демократического театра. Она открыла путь к утверждению самостоятельности национальной оперы в странах немецкого языка. Наряду с И. Гайдном Моцарт - создатель новой оркестровой и камерной классики.

Он опирался на схему 4-частного симфонического и ансамблевого цикла, на развитый Гайдном тип сонатного allegro и его структуру симфонического оркестра и смычкового квартета. (В свою очередь, Гайдн воспринял нововведения Моцарта и претворил их в своих лучших симфониях, квартетах и сонатах, появившихся уже после смерти Моцарта).

По мере овладения Моцартом композиционными особенностями современных ему многообразных школ и направлений (лёгкость восприятия его была поразительна), заметно менялась его собственная манера письма, полнее выявлялось неповторимое своеобразие его гениального творчества.

Влияние мангеймской школы сказалось на «Парижской» симфонии D-dur, созданной в 1778, после пребывания в Мангейме. Значит, след в музыкальном развитии Моцарта оставило ознакомление в начале венского периода с произведениями И. С. Баха и Г. Ф. Генделя. В возрасте 15 - 16 лет МОЦАРТА создал 15 или 16 симфоний, а в последние 10 лет жизни - 6 (всего около 50).

3 симфонии 1788 года увенчивают симфоническое творчество МОЦАРТА и весь европейский симфонизм 18 в. Большое торжественно-патетическое вступление симфонии Es-dur контрастирует с танцевально-бытовыми темами всех 4 частей, разнородными по эмоциональной окраске. Симфония g-moll пронизана взволнованной лирикой, скорбной патетикой и в то же время отличается энергией, волей, душевной стойкостью. В величественной симфонии G-dur («Юпитер»), наиболее крупной по масштабам, особенно подчёркнута контрастность образов.

Моцарт возвысил идейно-образное содержание симфонии, придал ей большую драматическую напряжённость, усилил её стилевое единство и углубил контрасты между частями сонатного цикла, между партиями сонатного allegro, а также внутри теМоцарта Форму сонатного allegro он применял не только в 1-й, но и во 2-й и 4-й частях симфонии. Монументальный финал симфонии «Юпитер» - блестящий пример введения фуги в сонатное allegro.

Показательна эволюция менуэта (3-я ч. симфонии) - он становится у Моцарта лиричным и мужественны.

Существенный принцип инструментальных произведений Моцарта - кантабильность, используемая композитором не только в ведущем голосе, но и во всей тонко разработанной фактуре («певучая инструментовка»). Темам присущи мелодическая насыщенность, гибкость линии, широкое дыхание; нередко они связаны с мелодиями опер Моцарта; во многих из них преображены обороты бытовой, народной музыки Австрии.

В оркестре Моцарта достигнута замечательная уравновешенность групп (4 партии струнных инструментов с недифференцированной партией баса и в основном парный состав духовых инструментов с литаврами). Индивидуально использованы тембры духовых.

Флейты часто представлены в оркестре не двумя, а одной партией (в т. ч. в 3 последних симфониях), гобои отсутствуют в симфонии Es-dur (К 543), кларнеты, к которым Моцарт всё больше тяготел (Гайдн ввёл их в симфонический оркестр после Моцарта), отсутствуют, однако, в симфонии C-dur (К 551) и введены в симфонию g-moll (К 550) дополнительно (в ней нет труб и литавр).

Клавирная музыка Моцарта отразила два важных исторических процесса: переход от клавесина и клавикорда к фортепиано (уже в довольно ранние годы Моцарта) и стабилизацию классического сонатного цикла (трёхчастного) в сонате и концерте. Фортепианный стиль Моцарта непосредственно связан с его исполнительским искусством. Элегантная, отчётливая, певучая, идущая от сердца игра Моцарта составила эпоху в истории пианизма.

Моцарт - основоположник классической формы концерта. Сохранив широкую доступность, концерты М. приобрели симфонический размах и разнообразие индивидуального выражения, в них органически соединились импровизационность и строго логическое начало, соревнование и взаимовосполнение сольной партии и оркестрового ансамбля. 11-летним мальчиком Моцарт обработал в виде 4 концертов части из сонат других композиторов, в возрасте 17 - 21 написал первые 4 оригинальных концерта для фортепиано с оркестром; большинство (17) фортепианных концертов возникло позднее, в Вене.

Музыка их отмечена праздничным блеском (концерты D-dur и A-dur), порой драматизмом и патетикой (концерты c-moll и d-moll). Венским фортепианным концертам предшествовали 5 концертов для скрипки с оркестром, написанные 19-летним Моцартом, возможно, для собственных выступлений, и двойной фортепианный концерт, сочинённый для себя и сестры (1779).

По просьбе друзей-музыкантов или по заказу именитых дилетантов Моцарт создал ряд сольных концертов для духовых инструментов, несколько двойных концертов и тройной фортепианный концерт, а также эффектную, в «мангеймском стиле», «Концертную симфонию» с 4 солирующими духовыми инструментами. Для своих выступлений, а частично для учениц Моцарт писал фортепианные сонаты, рондо, фантазии, вариации.

Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности великого композитора.

Моцарт - один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами .

Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком, он был величайшим реформатором жанра оперы , но в отличие от него, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие - в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три последние симфонии - № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта .

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчётливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Композитором создано множество духовных произведений: мессы, кантаты, оратории, а также знаменитый Реквием.

Тематический каталог сочинений Моцарта, с примечаниями, составленный Кёхелем («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s», Лейпциг,1862), представляет том в 550 страниц. По исчислению Кехеля, Моцарт написал 68 духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в общей сложности 626 произведений.

В 1786 году была написана и поставлена опера «Свадьба Фигаро», автором либретто которой был Лоренцо да Понте. Она имела в Вене хороший прием, однако после нескольких представлений была снята и не ставилась до 1789 года, когда постановку возобновил Антонио Сальери.

«Дон-Жуан». Опера в двух действиях Вольфганга Амадея Моцарта на либретто (по-итальянски) Лоренцо Да Понте, частично основанное на «Каменном госте» - опере Джузеппе Гаццаниги на либретто Джованни Бертати. Имеется также еще довольно большое количество более ранних пьес о Дон-Жуане. «Дон-Жуан» - величайшая из когда-либо написанных опер!!!

«Волшебная флейта» Опера в двух действиях Вольфганга Амадея Моцарта на либретто (по-немецки) Эмануэля Шикандера, возможно, в соавторстве с Карлом Людвигом Гизеке. «Волшебная флейта» - это то, что немцы называют Singspiel, то есть пьеса (драматическое произведение) с пением, подобно оперетте, или музыкальной комедии, или опере-балладе, или даже opera comique (фр. - комическая опера).

Музыкальный романтизм: истоки, темы, сюжеты, образная система, жанры.

Романтизм - идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII - 1-й половины XIX в.

В музыке романтизм сформировался в 1820-х гг. и сохранял свое значение вплоть до начала XX в. Ведущим принципом романтизма становится резкое противопоставление обыденности и мечты, повседневного существования и высшего идеального мира, создаваемого творческим воображением художника.

Он отразил разочарование самых широких кругов в итогах Великой французской революции 1789-1794 гг., в идеологии Просвещения и буржуазном прогрессе. Поэтому ему свойственны критическая направленность, отрицание обывательского прозябания в обществе, где люди озабочены лишь погоней за наживой. Отвергаемому миру, где все, вплоть до человеческих отношений, подчинено закону купли-продажи, романтики противопоставили иную правду - правду чувств, свободного волеизъявления творческой личности. Отсюда проистекает их пристальное внимание к внутреннему миру человека, тонкий анализ его сложных душевных движений. Романтизм внес решающий вклад в утверждение искусства как лирического самовыражения художника.

Первоначально романтизм выступил как принципиальный противник классицизма. Античному идеалу было противопоставлено искусство средних веков, далеких экзотических стран. Романтизм открыл сокровища народного творчества - песен, сказаний, легенд. Однако противоположность романтизма классицизму все же относительна, так как романтики восприняли и развили дальше достижения классиков. На многих композиторов большое влияние оказало творчество последнего венского классика - Л. Бетховена.

Принципы романтизма утверждали выдающиеся композиторы разных стран. Это К. М. Вебер, Г. Берлиоз, Ф. Мендельсон, Р. Шуман, Ф. Шопен, Ф. Шуберт Ф. Лист, Р. Вагнер. Дж. Верди.

Все эти композиторы восприняли симфонический метод развития музыки, основанный на последовательном преобразовании музыкальной мысли, порождающей внутри себя свою противоположность. Но романтики стремились к большей конкретности музыкальных идей, более тесной их связи с образами литературы, других видов искусства. Это привело их к созданию программных произведений.

Но главное завоевание романтической музыки проявилось в чутком, тонком и глубоком выражении внутреннего мира человека, диалектики его душевных переживаний. В отличие от классиков романтики не столько утверждали конечную цель человеческих стремлений, обретаемую в упорной борьбе, сколько развертывали бесконечное движение к цели, которая постоянно отодвигалась, ускользала. Поэтому так велика в произведениях романтиков роль переходов, плавных смен настроений.

Для музыканта-романтика процесс важнее результата, существеннее достижения. Они, с одной стороны, тяготеют к миниатюре, часто включаемой ими в цикл других, как правило, разнохарактерных пьес; с другой - утверждают свободные композиции, в духе романтических поэм. Именно романтики разработали новый жанр - симфоническую поэму. Чрезвычайно велик вклад композиторов-романтиков и в развитие симфонии, оперы, а также балета.

Среди композиторов 2-й половины XIX - начала XX в.,: в чьем творчестве романтические традиции способствовали утверждению гуманистических идей, - И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, Р. Штраус, Э. Григ, Б. Сметана, А. Дворжак и другие.

В России отдали дань романтизму едва ли не все великие мастера русской классической музыки. Велика роль романтического мироощущения в произведениях основоположника русской музыкальной классики М. И. Глинки, особенно в его опере «Руслан и Людмила».

В творчестве его великих продолжателей при общей реалистической направленности роль романтических мотивов была значительна. Они сказались в ряде сказочно-фантастических опер Н. А. Римского-Корсакова, в симфонических поэмах П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки».

Романтическое начало пронизывает сочинения А. Н. Скрябина и С. В. Рахманинова.